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Nueva Galería Santa & Cole Barcelona en Enric Granados

La Galería Santa & Cole de Barcelona abrió las puertas de su nuevo espacio el  12 de noviembre. El traslado de su sede al simbólico local de la galería Marlborough en Enric Granados 68, marca el inicio de una nueva etapa tras compartir espacio con Nanimarquina durante más de tres años.   Desde Localcuatro nos encargamos de su difusión en prensa local, nacional e internacional.

El aterrizaje de Galería Santa & Cole en la calle Enric Granados refuerza la apuesta de la editora por dinamizar la escena cultural barcelonesa. Aunando arte y diseño, la Galería quiere consolidarse como un lugar de encuentro de la escena artística con propuestas frescas como las de Míriam Dema, Klas Ernflo o Enrique Barro entre otros, en convivencia con las ediciones de diseño de Miguel Milá, Antoni Arola o Anthony Dickens.  

Arte para la convivencia

El programa expositivo de la Galería Santa & Cole celebra un arte para la convivencia: una propuesta que amalgama distintos registros visuales que saben vivir en armonía con mobiliario, iluminación y otros elementos que forman parte de nuestra intimidad doméstica. Desde la maestría técnica de los paisajes a lápiz de Marcos Isamat hasta la abstracción colorista y vibrante de Luia Corsini, cada propuesta expositiva es una cuidada selección de obras originales y Neoseries, las ediciones de arte de Santa & Cole, que toma como punto de partida la calidad formal y el valor cultural de los artistas.  

La Galería Santa & Cole acompaña a artistas nacionales e internacionales poniendo en diálogo distintos lenguajes visuales. Actualmente la Galería Santa & Cole colabora con Bea Aiguabella, Klas Ernflo, Carmen Galofré, Montse Campins, Marcos Isamat, Sílvia Martínez Palou, Míriam Dema, Bea Sarrias, Naoki Kawano, Carla Cascales, Luia Corsini, Enrique Barro y Juan Diego Thielen. 

Fall in New York, Carmen Galofré

La apertura de este nuevo espacio coincide con la inauguración de la exposición individual de Carmen Galofré (Minnesota, 1959), Fall in New York. La exposición reunirá las nuevas obras de la artista realizadas durante su estancia en Nueva York en octubre de 2023, donde se encontró con un escenario muy distinto a los paisajes mediterráneos que suele pintar. A pesar del contraste, Galofré fue capaz de capturar la esencia de la ciudad a través de pinceladas que envuelven los edificios en brumas azuladas, ocres y tonos crema que le caracterizan. Una mirada mediterránea de la Gran Manzana. 

La exposición se presenta de forma simultánea en la Galería Santa & Cole de Barcelona y la de Nueva York: las Neoseries, nos brindan esta única oportunidad de poder disfrutar del trabajo de nuestros artistas en dos lugares a la vez.  

Galería Santa & Cole y su asesoría de proyectos

Desde Galería Santa & Cole se seguirán ofreciendo servicios de asesoría de arte para proyectos integrales de arquitectura e interiorismo. A partir de un amplio y cuidado catálogo de ediciones de arte, obra original, series y fotografía o la búsqueda de nuevos artistas, creando una propuesta personalizada que responda a las necesidades del espacio y a las preferencias del cliente. 

Ayudando a navegar las complejidades del proyecto brindando asesoría y apoyo durante todo el proceso: desde la materialización del briefing, la selección de obras, la enmarcación, el transporte, la instalación y su correcta iluminación. 

Ediciones de diseño

Fue la Bauhaus quien nos enseñó que los principios de solidez constructiva, sobriedad estética y calidad funcional, aplicados a la producción de cualquier objeto humano, indican el buen camino. En Santa & Cole abogamos por objetos estéticamente agradables, técnicamente eficientes y deliberadamente útiles.

Ediciones de arte

Desde nuestra fundación, editamos objetos en busca de la estética de la emoción. Este concepto sigue aplicándose a nuestras más recientes ediciones de arte. Con una vocación curatorial, seleccionamos piezas únicas, Neoseries, series limitadas y fotografías, tanto por la belleza y calidad formal de los artistas, así́ como por su relevancia cultural.

Ediciones de libros

Disciplinas aparentemente antagónicas, que en realidad están unidas estrechamente. Descubre las biografías de los grandes diseñadores, ilústrate sobre la historia del mundo del diseño, edúcate respecto
a la gestión empresarial. Sumérgete en este entorno multidisciplinar de aprendizaje continuo.

Sobre Santa & Cole

Fundada en 1985, Santa & Cole es una pequeña, independiente y global editora de objetos de diseño, arte y libros con sede central en Belloch (Barcelona, España).

 Editar significa escoger para hacer pública una obra por lo regular ajena, protegiendo su autoría y defendiendo sus virtudes. Lo que un editor de libros hace con textos, el editor de diseño lo hace con formas y volúmenes, colores y materiales, utilidades y evocaciones, esto es, en el terreno de la cultura material. 

Santa & Cole ofrece productos de larga convivencia, diseñados con vocación de atemporalidad por su forma, su solución técnica y la cuidadosa adecuación de sus materiales. Procuramos generar poco ruido estético y residuo matérico, y más valor intrínseco. No acumular sino seleccionar, apelando a nuestra mirada más sensible hacia los objetos que nos acompañan en nuestra vida cotidiana

Y además resulta que detrás de cada buen objeto hay una historia ejemplar.

Documental a Rafael Moneo, por Poldo Pomés

Desde Localcuatro nos encargamos de la presentación del documental al arquitecto Rafael Moneo “Dibujar es pensar lo inesperado”, realizado por Poldo Pomés, en el Auditorio del DHUB de Barcelona. También realizamos labores de gabinete de prensa para difundir el film.

El documental“Rafael Moneo revisita su obra” de Poldo Pomés acompaña al reconocido arquitecto español por sus obras más emblemáticas y desvela la artesanía de su proceso creativo.

El propio Rafael Moneo (Tudela, 1937) es el protagonista y guía excepcional para el espectador en el primer documental que repasa su prolífica trayectoria y mirada curiosa, su obsesión por la ciudad o su labor divulgativa a través de la enseñanza.

El film muestra de manera natural y muy cercana a Moneo revisitando por primera vez sus obras más emblemáticas en Madrid, San Sebastián, Barcelona, Mérida, Nueva York o Estocolmo y descubre aspectos nunca antes revelados, así como anécdotas de su extensa carrera y testimonios de colaboradores y profesionales.

El documental se estrenó ante el gran público el domingo 29 de septiembre en el programa Imprescindibles de La2 de RTVE.

Rafael Moneo es autor de decenas de edificios, como la estación de Atocha en Madrid, el Kursaal de San Sebastián, l’Illa de Barcelona, la catedral de Los Ángeles, el museo Moderna de Estocolmo o el de Arte Romano de Mérida. Ha sido catedrático de arquitectura en Harvard desde 1985. Obtuvo el conocido como Nobel de la arquitectura, el Premio Pritzker, en 1996, siendo el primer español en lograrlo. Fue también premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2012 y recibió el premio León de Oro de la Bienal de Venecia en 2021. Vive en Madrid y tiene 87 años.

Su prolífica obra, de gran repercusión internacional, y su singular manera de afrontar el proceso creativo conforman las bases de este documental que firma el realizador catalán Poldo Pomés. El objetivo de“Rafael Moneo revisita su obra” es presentar sus edificios y sus principios arquitectónicos a través de su trabajo y no tanto de su teoría, y hacerlo, además, mediante un formato expresamente cercano y natural que es ya un rasgo distintivo de los últimos trabajos documentales de Pomés- ej. véase el de los diseñadores Miguel Milá, André Ricard o el director de teatro Lluís Pasqual.

“Ver a Moneo revisitando su obra es algo único y yo he intentado reflejar su arquitectura desde su mirada, extremadamente curiosa, en primera línea”, afirma el realizador. Y añade: “Creo que hubiera sido imposible hacerlo de otra manera, incluso por presupuesto; ir solo con Rafael mientras te explica las obras de ese modo tan exhaustivo, en lugar de con un equipo de sonido, iluminación, maquillaje, etc., le aporta realidad y cercanía, que es lo que a mí me gusta a la hora de explicar historias”, aclara. El valor divulgativo del documental, mediante un lenguaje llano, es otro de los grandes logros de esta producción.

“Este método tiene un riesgo, pero nos ha permitido entrar en espacios que de otro modo nos hubiera sido imposible, como por ejemplo el Panteón de Roma, y sobre todo, captar la emoción de Rafael al revisitar sus obras, algunas incluso más de 20 años después, y que según él mismo, no hubiera visitado de no ser por el documental”, añade Pomés. La frescura se logra gracias también al tándem del realizador con el periodista Xavier Mas de Xaxàs, quien ha acompañado en las conversaciones, que no entrevistas, con Moneo. También con los paseos con Luis Feduchi, productor ejecutivo del proyecto y con Hayden Salter, mano derecha de Moneo. O con la música original de Mauricio Villavecchia.

“Te enamoras de la arquitectura porque te la justifica y explica en profundidad. No es un arquitecto de galería, está obsesionado con la funcionalidad y la circulación de las personas.” La cámara de Pomés acompaña a Moneo en todo momento.

Primero, en su estudio, en la colonia El Viso de Madrid, el arquitecto se despliega en su cotidianidad creativa y sobre todo, en la artesanía de su proceso: los dibujos, croquis, algunos a mano alzada, son un pilar fundamental de su proceso intelectual.

El croquis está en la génesis de la idea y su desarrollo culmina en la aplicación práctica que resuelve el problema. “Dibujar es pensar lo inesperado” afirma el propio Moneo, quien siempre ha tenido un estudio pequeño por decisión propia. Podría haber crecido para tener cientos de arquitectos trabajando para él, pero prefirió́ la dimensión reducida que le permite supervisarlo todo, en un sistema jerárquico totalmente piramidal.

Las ciudades que marcaron su carrera

La narración se articula mediante tres actos: “La lección de Roma; “La enseñanza” y “La ciudad, las ciudades” y a través de varios paseos arquitectónicos por Madrid, San Sebastián, Barcelona, Mérida, Murcia, Mallorca, Roma, Estocolmo, Venecia o Nueva York.

Las visitas a las obras que han marcado su trayectoria se entrelazan con su propia biografía. En Roma, por ejemplo, ciudad en la que estudió y una de las que más le ha inspirado, el espectador visita la Academia de España, mientras Moneo habla de la importancia que la arquitectura debe al pasado, a las construcciones heredadas.

La capital italiana es fundamental para entender después su Museo del Arte romano en Mérida; un museo y yacimiento que rescata un pasado que parecía olvidado. Murcia y su ayuntamiento, Barcelona y su Auditorio o el “rascacielos tumbado” que es L’Illa Diagonal; Madrid y el edificio Bankinter, el Museo Thyssen o Atocha; Nueva York y su etapa como profesor en la universidad de Harvard, o Estocolmo y su museo Moderna de arte contemporáneo.

El documental nos deja grandes momentos, como la visita en San Sebastián a una de sus primeras obras, un edificio de viviendas junto al río Urumea, así como su emblemático y rara avis Kursaal. Moneo recuerda las decisiones constructivas y explica el sentido de un edificio tan moderno en una trama urbana tan clásica.

Del film se desprende que él es un arquitecto pragmático, atento a los detalles constructivos, obsesionado con la idea humanista de la ciudad y que discrepa del arquitecto heroico, más propenso al edificio singular y espectacular: su arquitectura, en definitiva, crea ciudad.

“Rafael Moneo revisita su obra” podrá verse el domingo 29 de septiembre a las 21:30h en el programa Imprescindibles de La2 de RTVE.

Sobre Poldo Pomés

Barcelona, 1964. Realizador y montador con una larga trayectoria en trabajos documentales y corporativos. Entre sus trabajos se encuentra el largometraje documental “Recordando a Coderch”, sobre el conocido arquitecto; “Miguel Milá, diseñador, inventor y bricoleur”; o “366 Dies”, candidato al Mejor Cortometraje Documental en los Premios Goya 2015.

Entre sus últimos trabajos, el documental “Reus París, Londres” sobre Lluís Pasqual, realizado con Xavier Mas de Xaxàs y el documental “André Ricard, el diseño invisible”

Labau: Arquitectura tejida. Entre La Bauhaus y Le Corbusier

Coincidiendo con la celebracion de la Barcelona Design Week, apoyamos a Teixidors en la presentación de su colección LABAU, en un espacio muy especial: Villa Alegre, sede de la Fundación Photographic Social Vision.

LABAU es un plaid en edición limitada que rinde homenaje a la filosofía de la Bauhaus, las vanguardias artísticas del siglo XX y la arquitectura moderna. Realizado por las manos expertas de los artesanos de Teixidors, con lana merino de la mas alta calidad, LABAU evoca la colorida fachada de la Unite d’Habitation, la ciudad vertical que Le Corbusier construyó en Marsella tras la Segunda Guerra Mundial y que supuso una verdadera revolución en la forma de entender la arquitectura y el diseño.

Cada uno de los plaids se acompañó de un ejemplar de TRAMA, una publicación de Teixidors
que, en su primer numero, nos invita a descubrir la historia de los colores primarios y su vínculo con el arte y la arquitectura.

Al evento acudieron prensa y profesionales del diseño, el interiorismo y la arquitectura, quienes además de conocer de primera mano la nueva colección, escucharon una charla del arquitecto Stefano Colli, junto con la dirección de Teixidors y Silvia Omedes, directora de la Photographic Social Vision.

Algunas cifras sobre LABAU:

  • 730 gramos de lana merina en cada plaid
  • 7 horas de trabajo en diferentes fases: urdido, enhebrado, tejido, repasado y acabado
  • Medidas: 240 cm x 150 cm – 7950 metros de hilo (equivalente a la altura de 25 torres Eiffel apiladas), de los cuales 4740metros en urdimbre y 3210 metros en trama

Fotografías de Berta Tiana (imagen en blanco y negro del patio de Villa Alegre, de Elena López de Lamadrid)

La exposición «Miguel Milá, diseñador (pre)industrial», encabeza el MDF 2024.

Madrid acogió en febrero de 2024 la mayor exposición retrospectiva de Miguel Milá, pionero en el desarrollo del diseño industrial en España. Desde Localcuatro ayudamos en la redacción de la nota de prensa y asistimos al equipo de comunicación del MDF (Madrid Design Festival) en la difusión de la muestra. Asimismo, fuimos el enlace entre los comisarios de la exposición y el festival a la hora comunicar el proyecto, tanto a prensa nacional como internacional.

La exposición “Miguel Milá, Diseñador (pre)industrial” marca el apogeo de la carrera excepcional de esta figura pionera en la creación y desarrollo del diseño en España, reconocido también internacionalmente (Compasso d’Oro 2008). La muestra entrelaza trayectoria personal y creaciones de Miguel Milá (Barcelona, 1931) a través de ocho salas que albergan más de 200 piezas – desde prototipos hasta sus obras más recientes-, planos y dibujos originales.
Es su mayor retrospectiva hasta la fecha y encabeza el programa del Madrid Design Festival. Pudo visitarse en el centro cultural Fernán Gómez (Pl. de Colón, 4) hasta el 31 de marzo.

La exposición fue comisariada por Claudia Oliva y por Gonzalo Milá, hijo de Miguel Milá y también diseñador industrial. Ambos comisarios afirman que no solo se expuso la mayor cantidad de piezas, sino que “se las acompañó de una voz muy personal acerca de quién es Miguel Milá”. La idea fue “hilar el recorrido a su vida y obra” con piezas pero también con dibujos e imágenes de sus inicios.

En su extensa carrera, Miguel Milá ha mantenido una búsqueda constante de la simplicidad. Su enfoque se basa en la economía de recursos y el rechazo a la ostentación y el despilfarro. Diseñar, según Miguel Milá, es simplificar lo complejo para que sea hermoso. Cada pieza, aparentemente sencilla en su imagen, alberga una riqueza de ingeniosos recursos que revelan la profundidad de su pensamiento creativo.

Además, la estética no es algo buscado deliberadamente, sino un resultado genuino del proceso de depuración de formas. «En los buenos diseños se produce un punto de encuentro entre forma, diseño, material y economía que te indica que solo podría ser así», afirma el diseñador.

La obra de Miguel Milá se erige sobre la tríada fundamental de función, ingenio y tecnología, creando diseños atemporales que resisten la prueba del tiempo y que continúan vendiéndose. Ejemplo de ello son la lampara TMM, o la Cesta, ambas editadas por Santa &Cole; la silla Salvador, una reedición de Trenat; la mesa Altar recientemente editada por Kettal o la mesa Porciones editada por Kendo.

Miguel Milá sostiene que la clave radica en una buena idea y una sencilla ejecución. Su obra se erige como un testimonio de la atemporalidad y la perdurabilidad. Sus diseños tracienden las modas pasajeras y se mantienen vigentes, fusionan lo innovador con lo cotidiano y tienen capacidad para elevarse y convertirse en clásicos.

Misui

Exposición de joyería contemporánea en Misui Barcelona del 27 de septiembre al 11 de octubre.

CULTURA

“Joyas que hablan de joyas. Pilar Garrigosa y la Scuola di Padova” es una singular muestra de piezas de joyería contemporánea de finales del siglo XX e inicios del XXI que reúne por primera vez creaciones de la polifacética joyera y coleccionista catalana Pilar Garrigosa y parte de su excepcional colección de artistas italianos.

La exposición reúne por primera vez piezas creadas entre los años 1990 y 2019 por la propia joyera, galerista y coleccionista Pilar Garrigosa, así como una selección inédita de su excepcional colección de joyería contemporánea -una de las más completas a nivel nacional- de artistas italianos de los años 60, 80, 90, 2000 y 2010 tales como Giampaolo Babeto, Maria Rosa Franzin, Graziano Visintin o Annamaria Zanella, todos referentes de la escuela de arte italiana Instituto Pietro Selvatico di Pádova, gran precursora europea de esta disciplina artística.

El título de la exposición, “Joyas que hablan de joyas” hace referencia al diálogo que Pilar Garrigosa, quien posee la mayor colección de joyería contemporánea en España, establece tanto con sus creaciones como con las más de 200 creaciones ajenas que ha ido adquiriendo en los últimos 25 años, entre collares, broches, anillos, pendientes y pulseras.

Garrigosa, más que crear en base a una línea estética o un concepto en particular, diseña en base a conversaciones que establece con las propias gemas, el metal y sus manos.

La doctorada en Arte y especialistas en joyería contemporánea Mar Juan Tortosa es la comisaria de la exposición y destaca sobre las creaciones propias de esta joyera y gemóloga de mirada sensible “las gemas y metales le han ido dictando cuales eran las formas, composiciones y texturas más idóneas “, afirma. 

Pilar Garrigosa inició en los años 80 sus estudios de gemología en la Universidad de Barcelona y en 1989 se matriculaba en la Escola Massana, en el curso de taller con el profesor Carles Codina. En paralelo colaboraba con el joyero Ramón Oriol, organizando un pionero curso de joyería contemporánea en la escuela Elisava.

Mientras desarrollaba su faceta de creadora, descubrió su fascinación por el coleccionismo, que le ha llevado a buscar y comprar piedras preciosas a lo largo y ancho de todo el mundo. “Su propósito era el de encontrar gemas que fueran un paso más allá, con cualidades diferentes”, afirma Mar Juan.

“Esta colección empezó, como empiezan muchas colecciones, con un enamoramiento”, confiesa Pilar Garrigosa. “Paseando por Montreal, en el Otoño de 1987, me topé con una galeria de joyas de arte contemporáneo. Era la galeria de Jocelyne Gobéil y en la vitrina había un tipo de joyas que yo no había visto nunca. Me enamoré locamente de un collar de plata de Barbara Stutman. No lo pude resistir y me lo compré.” Barbara Stutman era una de las artistas pioneras de la nueva joyería en EEUU.

Su trabajo en Elisava la conectó con varios artistas internacionales a los cuales invitaban a venir a Barcelona, entre ellos al italiano Giampaolo Babeto, quien la puso en contacto con otros orfebres compañeros suyos del Instituto Pietro Selvático de Padova. “Entre todos me convencieron de que tenia que exponer sus trabajos en Barcelona. Y así fue, desde el año 1993 estuve montando exposiciones en mi casa particular, y más tarde abrí la Galeria Magari”.  Durante su existencia, la galería representó a más de 40 artistas y organizó alrededor de 15 exposiciones temáticas hasta su cierre en el año 2000. Esto, y los viajes a galerías extranjeras, hizo que fuera aumentando su colección.

En la muestra que podrá verse en Misui se compilan 72 piezas propias y 18 piezas de otros autores. Anillos, broches, brazaletes, pendientes y collares componen una instantánea singularísima de una parte de la joyería contemporánea europea de los últimos 70 años. Las creaciones de Pilar Garrigosa, además de exponerse, estarán a la venta.

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