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El fotógrafo Mariano Herrera plasma en su libro de fotografías La sombra de un río la expedición en canoa por el río Uruguay que en 1933 realizó el escritor Eric Pixton

La obra es una reflexión sobre el tiempo y la memoria, construida a partir de imágenes de la vida a orillas del río Uruguay y del Delta del Paran.

La transición entre las fotografías de Pixton y las de Herrera se vuelve imperceptible. Sus imágenes en blanco y negro, intercaladas con color, recortes de diarios y textos mecanografiados, se funden con la tonalidad marrón del río, diluyendo las fronteras entre ambas épocas

Eric Pixton nació en Rosario, Santa Fe, el 28 de abril de 1905. Hombre culto y trilingüe, dominaba el español, el inglés y el guaraní con gran fluidez. Se educó en el prestigioso Belgrano Day School, lo que cimentó su amor por la literatura clásica y la historia argentina. Además de escritor, fue aviador civil, comerciante y dueño de un bar en Buenos Aires que no prosperó.

El 17 de marzo de 1933, acompañado por su amigo estadounidense James W. «Bill» Cooper, emprendió una expedición en la canoa alemana Lybo, con la que se propuso recorrer 1.200 kilómetros por el río Uruguay, bordeando las fronteras de Argentina, Uruguay y Brasil hasta llegar a Misiones y las cataratas del Iguazú. Equipados con remos, un par de velas y 150 kilos de provisiones, iniciaron un viaje sin asistencia mecánica, enfrentando tormentas, arenas movedizas, serpientes venenosas y otros peligros naturales y humanos. Con

espíritu aventurero, desafiaron la inmensidad del río con un método de navegación primitivo, similar al de los pueblos indígenas de la región.

Tres años después, en 1936, Pixton plasmó su travesía en el libro De Buenos Aires a Misiones en canoa, publicado por la editorial argentina Peuser. A pesar del valor testimonial y narrativo de la obra, con el tiempo cayó en el olvido.

Casi un siglo más tarde, el fotógrafo Mariano Herrera (Buenos Aires, 1970) siguió la ruta de Pixton y la convirtió en el eje de su proyecto La sombra de un río. Más que una recreación de la expedición, su obra es una reflexión sobre el tiempo y la memoria, construida a partir de imágenes de la vida a orillas del río Uruguay y del Delta del Paraná. Viejos recuerdos de la aventura original se entrelazan con retratos actuales de los habitantes de la ribera, generando una fusión entre pasado y presente, entre realidad y ficción.

El libro de Herrera captura el desgaste del tiempo en los documentos, manuscritos y fotografías de Pixton, pero también en las casas decadentes, las fábricas en ruinas y los rostros curtidos de los lugareños. Sus imágenes en blanco y negro, intercaladas con color, recortes de diarios y textos mecanografiados, se funden con la tonalidad marrón del río, diluyendo las fronteras entre ambas épocas. La transición entre las fotografías de Pixton y las de Herrera se vuelve imperceptible, como si el agua arrastrara la memoria de ambos.

El río, eterno testigo del paso del tiempo, es el verdadero protagonista de ambas narrativas. Su corriente moldea cuerpos y paisajes, mientras que su sedimento cubre recuerdos y los hace parte de su historia. Así, La sombra de un río no solo evoca la travesía de Pixton, sino que también invita a una meditación sobre la fugacidad de la memoria y la imposibilidad de aferrarse al pasado. Como en el viaje de Pixton, el final del camino se convierte en un nuevo comienzo, donde la literatura y la fotografía se entrelazan en un relato que trasciende el tiempo.

Mariano Herrera nació en Buenos Aires y desde 1997 reside en Barcelona. Su labor fotográfica no distingue la fotografía comercial de la personal, ambos campos son abordados de la misma manera: la estética como motor y herra- mienta principal de comunicación visual. Su trabajo comercial –publicitario o editorial- ocupa la mayor parte de su ar- chivo y sus imágenes entonan la infatigable búsqueda de la franqueza a través de su óptica. Su especialidad reside en capturar instantáneas de gente y la relación de ésta con su entorno, y su gran reto es mantener ese tono en diversos y paralelos mundos como la publicidad, el reportaje, el retrato. Su especialidad es la «gente común». Aquellas personas que circunstancialmente ejercen de modelos o actores, o básicamente de sí mismos. Casi todos sus encargos comerciales rondan en torno a lo “real” como bandera de lo autentico. Su trabajo se ha publicado en numerosos medios de todo el mundo entre los que destacan la revista británica Monocle, New York Times, El Pais Semanal, Editorial Planeta, Kinfolk, Port, Rolling Stone o Esquire. Algunos de sus clientes son: Banc Sabadell, San Miguel, Codorniu, BBVA, Banco Santander, Estrella

Damm, ICUB, o Generalitat de Catalunya. Ha realizado varias campañas de la mayoría de los partidos políticos españoles y también ha producido varios libros gastronómicos sobre los cocineros Max y Stefano Colombo del restaurante Xemei, o Bittor Argenzoniz y su asador Etxebarri entre otros.

En septiembre de 2024 publicó su primer libro personal: La sombra de un río. Editado por Kominek Books, contiene 96 páginas y un formato de 24 x 30 cms.

Aitor. Emoción en madera

Villa Alegre y AO Domini organizan la exhibición y venta de la nueva colección de piezas de madera del artista Aitor Martínez. La exposición presenta una selección de esculturas y piezas realizadas en madera, proveniente de bosques cercanos a su taller en Figueiro, una pequeña aldea de Pontevedra.

Aitor fue el primer español que accedió a la prestigiosa Escuela Escoulen, un exclusivo centro de estudios para torneros situado en la localidad francesa de Aiguines que solo acepta a siete alumnos por curso. En los últimos años ha recibido multitud de distinciones: entre ellas, en 2023 fue incluido en la prestigiosa guía internacional Homo Faber y, más recientemente, en 2024, fue ganador del Premio Joven Promesa del Círculo Fortuny y logró ser primer finalista en el Premio Nacional de Artesanía con su colección “Códigos del alma”.

Su especialidad y lo que más le apasiona es trabajar con madera verde, recién cortada. Su proceso creativo se basa en técnicas tradicionales de torneado y en el secado al aire de la propia madera, materia viva con la cual experimenta, transformándola en volúmenes singulares. Durante este proceso de secado la pieza decide sobre sí misma: lo que él llama, entregar la obra al libre albedrío.

La exposición tendrá lugar el jueves 20 y viernes 21 de marzo en Villa Alegre: con la oportunidad de conocer la obra de Aitor de la mano del propio artista ,en una exposición comisariada por Lilia Méndez.

Aitor. Emoción en madera” 

Exposición y venta
Jueves 20 y viernes 21 de marzo
De 11h a 20h
En Villa Alegre. Vía Augusta, 175. Barcelona

Organizan:

Villa Alegre es un espacio de gestión, venta y difusión cultural en Barcelona, impulsado por Silvia Omedes.

AO Domini es una marca de representación y promoción de artesanía contemporánea y recuperación de patrimonio textil, fundada por Lilia Méndez

Nueva Galería Santa & Cole Barcelona en Enric Granados

La Galería Santa & Cole de Barcelona abrió las puertas de su nuevo espacio el  12 de noviembre. El traslado de su sede al simbólico local de la galería Marlborough en Enric Granados 68, marca el inicio de una nueva etapa tras compartir espacio con Nanimarquina durante más de tres años.   Desde Localcuatro nos encargamos de su difusión en prensa local, nacional e internacional.

El aterrizaje de Galería Santa & Cole en la calle Enric Granados refuerza la apuesta de la editora por dinamizar la escena cultural barcelonesa. Aunando arte y diseño, la Galería quiere consolidarse como un lugar de encuentro de la escena artística con propuestas frescas como las de Míriam Dema, Klas Ernflo o Enrique Barro entre otros, en convivencia con las ediciones de diseño de Miguel Milá, Antoni Arola o Anthony Dickens.  

Arte para la convivencia

El programa expositivo de la Galería Santa & Cole celebra un arte para la convivencia: una propuesta que amalgama distintos registros visuales que saben vivir en armonía con mobiliario, iluminación y otros elementos que forman parte de nuestra intimidad doméstica. Desde la maestría técnica de los paisajes a lápiz de Marcos Isamat hasta la abstracción colorista y vibrante de Luia Corsini, cada propuesta expositiva es una cuidada selección de obras originales y Neoseries, las ediciones de arte de Santa & Cole, que toma como punto de partida la calidad formal y el valor cultural de los artistas.  

La Galería Santa & Cole acompaña a artistas nacionales e internacionales poniendo en diálogo distintos lenguajes visuales. Actualmente la Galería Santa & Cole colabora con Bea Aiguabella, Klas Ernflo, Carmen Galofré, Montse Campins, Marcos Isamat, Sílvia Martínez Palou, Míriam Dema, Bea Sarrias, Naoki Kawano, Carla Cascales, Luia Corsini, Enrique Barro y Juan Diego Thielen. 

Fall in New York, Carmen Galofré

La apertura de este nuevo espacio coincide con la inauguración de la exposición individual de Carmen Galofré (Minnesota, 1959), Fall in New York. La exposición reunirá las nuevas obras de la artista realizadas durante su estancia en Nueva York en octubre de 2023, donde se encontró con un escenario muy distinto a los paisajes mediterráneos que suele pintar. A pesar del contraste, Galofré fue capaz de capturar la esencia de la ciudad a través de pinceladas que envuelven los edificios en brumas azuladas, ocres y tonos crema que le caracterizan. Una mirada mediterránea de la Gran Manzana. 

La exposición se presenta de forma simultánea en la Galería Santa & Cole de Barcelona y la de Nueva York: las Neoseries, nos brindan esta única oportunidad de poder disfrutar del trabajo de nuestros artistas en dos lugares a la vez.  

Galería Santa & Cole y su asesoría de proyectos

Desde Galería Santa & Cole se seguirán ofreciendo servicios de asesoría de arte para proyectos integrales de arquitectura e interiorismo. A partir de un amplio y cuidado catálogo de ediciones de arte, obra original, series y fotografía o la búsqueda de nuevos artistas, creando una propuesta personalizada que responda a las necesidades del espacio y a las preferencias del cliente. 

Ayudando a navegar las complejidades del proyecto brindando asesoría y apoyo durante todo el proceso: desde la materialización del briefing, la selección de obras, la enmarcación, el transporte, la instalación y su correcta iluminación. 

Ediciones de diseño

Fue la Bauhaus quien nos enseñó que los principios de solidez constructiva, sobriedad estética y calidad funcional, aplicados a la producción de cualquier objeto humano, indican el buen camino. En Santa & Cole abogamos por objetos estéticamente agradables, técnicamente eficientes y deliberadamente útiles.

Ediciones de arte

Desde nuestra fundación, editamos objetos en busca de la estética de la emoción. Este concepto sigue aplicándose a nuestras más recientes ediciones de arte. Con una vocación curatorial, seleccionamos piezas únicas, Neoseries, series limitadas y fotografías, tanto por la belleza y calidad formal de los artistas, así́ como por su relevancia cultural.

Ediciones de libros

Disciplinas aparentemente antagónicas, que en realidad están unidas estrechamente. Descubre las biografías de los grandes diseñadores, ilústrate sobre la historia del mundo del diseño, edúcate respecto
a la gestión empresarial. Sumérgete en este entorno multidisciplinar de aprendizaje continuo.

Sobre Santa & Cole

Fundada en 1985, Santa & Cole es una pequeña, independiente y global editora de objetos de diseño, arte y libros con sede central en Belloch (Barcelona, España).

 Editar significa escoger para hacer pública una obra por lo regular ajena, protegiendo su autoría y defendiendo sus virtudes. Lo que un editor de libros hace con textos, el editor de diseño lo hace con formas y volúmenes, colores y materiales, utilidades y evocaciones, esto es, en el terreno de la cultura material. 

Santa & Cole ofrece productos de larga convivencia, diseñados con vocación de atemporalidad por su forma, su solución técnica y la cuidadosa adecuación de sus materiales. Procuramos generar poco ruido estético y residuo matérico, y más valor intrínseco. No acumular sino seleccionar, apelando a nuestra mirada más sensible hacia los objetos que nos acompañan en nuestra vida cotidiana

Y además resulta que detrás de cada buen objeto hay una historia ejemplar.

Documental a Rafael Moneo, por Poldo Pomés

Desde Localcuatro nos encargamos de la presentación del documental al arquitecto Rafael Moneo “Dibujar es pensar lo inesperado”, realizado por Poldo Pomés, en el Auditorio del DHUB de Barcelona. También realizamos labores de gabinete de prensa para difundir el film.

El documental“Rafael Moneo revisita su obra” de Poldo Pomés acompaña al reconocido arquitecto español por sus obras más emblemáticas y desvela la artesanía de su proceso creativo.

El propio Rafael Moneo (Tudela, 1937) es el protagonista y guía excepcional para el espectador en el primer documental que repasa su prolífica trayectoria y mirada curiosa, su obsesión por la ciudad o su labor divulgativa a través de la enseñanza.

El film muestra de manera natural y muy cercana a Moneo revisitando por primera vez sus obras más emblemáticas en Madrid, San Sebastián, Barcelona, Mérida, Nueva York o Estocolmo y descubre aspectos nunca antes revelados, así como anécdotas de su extensa carrera y testimonios de colaboradores y profesionales.

El documental se estrenó ante el gran público el domingo 29 de septiembre en el programa Imprescindibles de La2 de RTVE.

Rafael Moneo es autor de decenas de edificios, como la estación de Atocha en Madrid, el Kursaal de San Sebastián, l’Illa de Barcelona, la catedral de Los Ángeles, el museo Moderna de Estocolmo o el de Arte Romano de Mérida. Ha sido catedrático de arquitectura en Harvard desde 1985. Obtuvo el conocido como Nobel de la arquitectura, el Premio Pritzker, en 1996, siendo el primer español en lograrlo. Fue también premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2012 y recibió el premio León de Oro de la Bienal de Venecia en 2021. Vive en Madrid y tiene 87 años.

Su prolífica obra, de gran repercusión internacional, y su singular manera de afrontar el proceso creativo conforman las bases de este documental que firma el realizador catalán Poldo Pomés. El objetivo de“Rafael Moneo revisita su obra” es presentar sus edificios y sus principios arquitectónicos a través de su trabajo y no tanto de su teoría, y hacerlo, además, mediante un formato expresamente cercano y natural que es ya un rasgo distintivo de los últimos trabajos documentales de Pomés- ej. véase el de los diseñadores Miguel Milá, André Ricard o el director de teatro Lluís Pasqual.

“Ver a Moneo revisitando su obra es algo único y yo he intentado reflejar su arquitectura desde su mirada, extremadamente curiosa, en primera línea”, afirma el realizador. Y añade: “Creo que hubiera sido imposible hacerlo de otra manera, incluso por presupuesto; ir solo con Rafael mientras te explica las obras de ese modo tan exhaustivo, en lugar de con un equipo de sonido, iluminación, maquillaje, etc., le aporta realidad y cercanía, que es lo que a mí me gusta a la hora de explicar historias”, aclara. El valor divulgativo del documental, mediante un lenguaje llano, es otro de los grandes logros de esta producción.

“Este método tiene un riesgo, pero nos ha permitido entrar en espacios que de otro modo nos hubiera sido imposible, como por ejemplo el Panteón de Roma, y sobre todo, captar la emoción de Rafael al revisitar sus obras, algunas incluso más de 20 años después, y que según él mismo, no hubiera visitado de no ser por el documental”, añade Pomés. La frescura se logra gracias también al tándem del realizador con el periodista Xavier Mas de Xaxàs, quien ha acompañado en las conversaciones, que no entrevistas, con Moneo. También con los paseos con Luis Feduchi, productor ejecutivo del proyecto y con Hayden Salter, mano derecha de Moneo. O con la música original de Mauricio Villavecchia.

“Te enamoras de la arquitectura porque te la justifica y explica en profundidad. No es un arquitecto de galería, está obsesionado con la funcionalidad y la circulación de las personas.” La cámara de Pomés acompaña a Moneo en todo momento.

Primero, en su estudio, en la colonia El Viso de Madrid, el arquitecto se despliega en su cotidianidad creativa y sobre todo, en la artesanía de su proceso: los dibujos, croquis, algunos a mano alzada, son un pilar fundamental de su proceso intelectual.

El croquis está en la génesis de la idea y su desarrollo culmina en la aplicación práctica que resuelve el problema. “Dibujar es pensar lo inesperado” afirma el propio Moneo, quien siempre ha tenido un estudio pequeño por decisión propia. Podría haber crecido para tener cientos de arquitectos trabajando para él, pero prefirió́ la dimensión reducida que le permite supervisarlo todo, en un sistema jerárquico totalmente piramidal.

Las ciudades que marcaron su carrera

La narración se articula mediante tres actos: “La lección de Roma; “La enseñanza” y “La ciudad, las ciudades” y a través de varios paseos arquitectónicos por Madrid, San Sebastián, Barcelona, Mérida, Murcia, Mallorca, Roma, Estocolmo, Venecia o Nueva York.

Las visitas a las obras que han marcado su trayectoria se entrelazan con su propia biografía. En Roma, por ejemplo, ciudad en la que estudió y una de las que más le ha inspirado, el espectador visita la Academia de España, mientras Moneo habla de la importancia que la arquitectura debe al pasado, a las construcciones heredadas.

La capital italiana es fundamental para entender después su Museo del Arte romano en Mérida; un museo y yacimiento que rescata un pasado que parecía olvidado. Murcia y su ayuntamiento, Barcelona y su Auditorio o el “rascacielos tumbado” que es L’Illa Diagonal; Madrid y el edificio Bankinter, el Museo Thyssen o Atocha; Nueva York y su etapa como profesor en la universidad de Harvard, o Estocolmo y su museo Moderna de arte contemporáneo.

El documental nos deja grandes momentos, como la visita en San Sebastián a una de sus primeras obras, un edificio de viviendas junto al río Urumea, así como su emblemático y rara avis Kursaal. Moneo recuerda las decisiones constructivas y explica el sentido de un edificio tan moderno en una trama urbana tan clásica.

Del film se desprende que él es un arquitecto pragmático, atento a los detalles constructivos, obsesionado con la idea humanista de la ciudad y que discrepa del arquitecto heroico, más propenso al edificio singular y espectacular: su arquitectura, en definitiva, crea ciudad.

“Rafael Moneo revisita su obra” podrá verse el domingo 29 de septiembre a las 21:30h en el programa Imprescindibles de La2 de RTVE.

Sobre Poldo Pomés

Barcelona, 1964. Realizador y montador con una larga trayectoria en trabajos documentales y corporativos. Entre sus trabajos se encuentra el largometraje documental “Recordando a Coderch”, sobre el conocido arquitecto; “Miguel Milá, diseñador, inventor y bricoleur”; o “366 Dies”, candidato al Mejor Cortometraje Documental en los Premios Goya 2015.

Entre sus últimos trabajos, el documental “Reus París, Londres” sobre Lluís Pasqual, realizado con Xavier Mas de Xaxàs y el documental “André Ricard, el diseño invisible”

Labau: Arquitectura tejida. Entre La Bauhaus y Le Corbusier

Coincidiendo con la celebracion de la Barcelona Design Week, apoyamos a Teixidors en la presentación de su colección LABAU, en un espacio muy especial: Villa Alegre, sede de la Fundación Photographic Social Vision.

LABAU es un plaid en edición limitada que rinde homenaje a la filosofía de la Bauhaus, las vanguardias artísticas del siglo XX y la arquitectura moderna. Realizado por las manos expertas de los artesanos de Teixidors, con lana merino de la mas alta calidad, LABAU evoca la colorida fachada de la Unite d’Habitation, la ciudad vertical que Le Corbusier construyó en Marsella tras la Segunda Guerra Mundial y que supuso una verdadera revolución en la forma de entender la arquitectura y el diseño.

Cada uno de los plaids se acompañó de un ejemplar de TRAMA, una publicación de Teixidors
que, en su primer numero, nos invita a descubrir la historia de los colores primarios y su vínculo con el arte y la arquitectura.

Al evento acudieron prensa y profesionales del diseño, el interiorismo y la arquitectura, quienes además de conocer de primera mano la nueva colección, escucharon una charla del arquitecto Stefano Colli, junto con la dirección de Teixidors y Silvia Omedes, directora de la Photographic Social Vision.

Algunas cifras sobre LABAU:

  • 730 gramos de lana merina en cada plaid
  • 7 horas de trabajo en diferentes fases: urdido, enhebrado, tejido, repasado y acabado
  • Medidas: 240 cm x 150 cm – 7950 metros de hilo (equivalente a la altura de 25 torres Eiffel apiladas), de los cuales 4740metros en urdimbre y 3210 metros en trama

Fotografías de Berta Tiana (imagen en blanco y negro del patio de Villa Alegre, de Elena López de Lamadrid)

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