En Localcuatro hemos estado vinculadas a la historia de la concept store Matèria desde sus inicios, comunicando todas las novedades desde 2009. Ahora, este referente del diseño y la decoración en el barrio de Galvany de Barcelona inicia una nueva etapa. Matèria, fundada por Beatrice Askanazy, pasa ahora a manos de Nina Ordeig, Marta Salvadó, Jara Varela y Dasha Vaimberg, cuatro profesionales del mundo del diseño, la arquitectura, la comunicación y la imagen que asumen el reto de dar continuidad —y nueva vida— a este proyecto.
MATÈRIA: PRODUCTO Y PROYECTO
Matèria es una tienda que combina sensibilidad y rigor, lo doméstico y lo sofisticado. Lo importante es lo que funciona, emociona y mejora el día a día.
Su propuesta nace de su inquietud por la cultura y el diseño, sin pretensiones y con algo de sentido del humor.
RENOVACIÓN DEL ESPACIO Y ALCANCE PROFESIONAL
El nuevo proyecto se refleja en una renovación del espacio —ubicado en la calle Rector Ubach, 43— y en una ampliación del catálogo. “Durante el último año hemos empezado a colaborar con grandes estudios de Barcelona, asesorándoles en la selección y prescripción de productos para sus proyectos”, explican las propietarias
El relevo se gestó en junio de 2024, cuando supieron que Beatrice Askanazy se jubilaba:
“Coincidimos en que Matèria era una tienda necesaria en Barcelona. Vimos la oportunidad de continuar su legado y, a la vez, crear algo propio: un espacio para los productos, marcas y artistas que nos gustaban y que no encontrábamos en otros lugares de la ciudad. Pensamos: si nadie lo hace, lo haremos nosotras. A nuestra manera.”
Además de su atención al cliente particular, Matèria ofrece un servicio dirigido a profesionales del sector. El equipo asesora en la prescripción, especificación y suministro de mobiliario, iluminación y textiles hasta la instalación y el montaje para espacios residenciales, hoteleros, comerciales e institucionales. Un servicio que combina criterio estético, conocimiento técnico y acompañamiento en todas las fases del proyecto.
Desde Localcuatro hemos tenido el placer de dar apoyo a LedsC4 en la comunicación a prensa de este evento cultural enmarcado en la agenda OFF de la Barcelona Design Week 2025.
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Durante la Barcelona Design Week, LedsC4 ha actuado como curator y organizador de la exposición Life in Light, en el espacio cultural modernista de La Culture House, cuyo eje central han sido dos piezas inéditas concebidas especialmente por el equipo de proyectos especiales de la firma de iluminación junto a ELIURPI. Ambas esculturas lumínicas recrean en sus formas orgánicas, hechas de tejido de rafia, a una alga del mediterráneo llamada Padina. Las piezas proponen una mirada honesta sobre cómo la luz estimula los sentidos y expande la percepción del espacio.
Estas piezas permanecerán expuestas en el studio/gallery de ELIURPI en Barcelona (Baixada de Santa Eulàlia 3. Visitas con cita studio@eliurpi.com)
Esta colaboración es un ejemplo del creciente apoyo al arte y la cultura de LedsC4 y, en concreto, de las amplias posibilidades de su departamento de proyectos especiales. Las piezas de ELIURPI abren una nueva vía de instalaciones artísticas creadas a medida de cada espacio con el atractivo añadido de explorar el límite entre arte y diseño de iluminación. Una posibilidad que responde a la petición creciente de lograr espacios hiperpersonalizados en hoteles, restaurantes, oficinas u otros espacios privados.
Barcelona, octubre 2025– LedsC4, referente en soluciones de iluminación, ha llevado su concepto Life in Light a La Culture House, un espectacular espacio cultural de 360m2 en Barcelona concebido como centro multidisciplinar y liderado por Helena Agustí.
Life in Light es una experiencia que invita a conectar con la luz desde lo sensorial, lo emocional y lo natural, como herramienta transformadora, capaz de revelar texturas, modelar volúmenes y evocar emociones. Este evento ha propuesto una mirada honesta sobre cómo la luz dialoga con el entorno, estimulando nuestros sentidos y nuestra percepción del espacio.
ELIURPI x LedsC4
El eje central de la exposición es la colaboración inédita entre LedsC4 y ELIURPI, dúo artístico que explora la forma, el volumen y la materialidad desde una poética propia. Para esta ocasión, presentan en exclusiva su instalación ALGA, compuesta por dos piezas diseñadas con capas de alga marina y rafia en formas orgánicas que recubren la luz y juegan con las transparencias (la pieza de mayor dimensión lleva por nombre Padinas Lamp y la menor, Small Padinas Lamp).
Un proyecto lumínico especial de LedsC4 que reflexiona sobre cómo la luz trasciende la función técnica e interactúa con el entorno, estimula los sentidos y expande la percepción del espacio.
Life in Light es una declaración cultural donde la luz se convierte en autora y narradora, en arte que nos conecta con la esencia de los objetos, de los espacios y, en última instancia, de nosotros mismos.
LedsC4
Durante los últimos 50 años, la empresa de iluminación LedsC4 se ha dedicado a desarrollar una cultura de la luz en la que el diseño, la tecnología y la sostenibilidad se unen para ofrecer la mejor solución para tus proyectos de interior y exterior. Las personas pasan el 90 % del tiempo en espacios cerrados con luz artificial, recibiendo solo el 10% de la luz natural. Una luz de calidad aporta bienestar a la vida diaria adaptando el lugar que ocupamos a nuestras necesidades biológicas, físicas y psicológicas. Una luz adecuada mejora nuestra vida.
ELIURPI
Los artistas afincados en Barcelona Elisabet Urpí Ràfols (1985, El Papiolet, Catalunya) y Nacho Umpiérrez Fripp (1983, Colonia del Sacramento, Uruguay) fundaron el estudio ELIURPI en 2010. Empezaron con sus coleciones de sombreros escultóricos y actualmente trabajan en esculturas e instalaciones artísticas. ELIURPI ha realizado diferentes exposiciones alrededor del mundo. Su trabajo ha sido expuesto en el Museo DHub Barcelona (2025), 5VIE Milano (2024,2025), Escat Gallery Barcelona (2024-2025), Il·lacions Gallery (2025), Design Miami (2024), Art U Ready Madrid (2022-2024), Cheongju Biennale South Korea (2023), entre otros. Fueron galardonados con mención de honor en la Cheongju Biennale yrecibieron el premio de Artesanía Contemporánea, SACO Madrid. En 2025 entraron en la Colección Privada Royal Ascot con uno de sus sombreros escultóricos.
Desde Localcuatro tuvimos el placer de contribuir como agencia de prensa para la familia Milá, ayudando en la difusión de la muestra entre la prensa nacional e internacional.
La exposición Miguel Milá. Diseñador (pre)industrial, inaugurada el 18 de junio y que acoge el Disseny Hub de Barcelona hasta el próximo 28 de septiembre, marca el apogeo de la carrera excepcional de esta figura pionera en la creación y desarrollo del diseño en España. Reconocido internacionalmente con el Compasso d’Oro en 2008, entre otras muchas distinciones, su trayectoria se inicia en realidad en los años 50 del siglo XX, con piezas icónicas tanto para el entorno doméstico – ej. lámparas TMM o Cesta-, como para el urbano – ej. banco NeoRomántico-.
La exposición entrelaza trayectoria personal y creaciones de Miguel Milá (Barcelona, 1931-2024) a través de ocho salas del Museo del Diseño de Barcelona (Disseny Hub Barcelona) -ubicado en un edificio obra de MBM Arquitectes- que albergan más de 350 piezas, desde prototipos hasta sus obras más recientes, planos y dibujos originales.
Desde los inicios de los años 60 sus diseños han sido una constante en los hogares españoles, especialmente en Barcelona, ciudad motor de modernidad.En la actualidad muchos de sus diseños continúan siendo iconos contemporáneos y su comercialización ha ido in crescendo, alcanzando ahora récords de ventas en las distintas empresas para las que trabajó a lo largo de su extensísima carrera. Por nombrar algunas: Santa & Cole, Urbidermis, Escofet, Expormim, Mobles114, Kettal, Kendo, DAE, Trenat o Isist Atelier.
La exposición ha sido comisariada por la gestora cultural de diseño Claudia Oliva y por Gonzalo Milà, hijo de Miguel Milá y también diseñador industrial. Ambos comisarios afirman que no solo se expondrá la mayor cantidad de piezas, sino que “se las acompañará de una voz muy personal acerca de quién era Miguel Milá”. La idea es “hilar el recorrido a su vida y obra” con piezas, pero también con dibujos e imágenes de sus inicios, y sobre todo “reivindicar su influencia en la historia del diseño moderno”.
Miguel Milá mantuvo una búsqueda constante de la simplicidad, erigiendo su obra sobre la tríada fundamental de función, ingenio y tecnología, creando diseños atemporales. Su enfoque se basó en la economía de recursos y el rechazo a la ostentación y el despilfarro. “Trabajando trato de mejorar la vida del usuario. Intento simplificarla. Pero también busco acompañarla, embellecerla”, afirmaba. Cada pieza, aparentemente sencilla en su imagen, alberga una riqueza de ingeniosos recursos que revelan la profundidad de su pensamiento creativo.
“Miguel ha sido capaz de proyectar en sus piezas una empatía hacia al usuario que las convierte en cercanas, y esto es un rasgo muy singular de su trabajo”, explica Claudia Oliva. Además, la estética no es algo buscado deliberadamente, sino un resultado genuino del proceso de depuración de formas. «En los buenos diseños se produce un punto de encuentro entre forma, diseño, material y economía que te indica que solo podría ser así», afirmaba hace años el propio Miguel Milá.
Entre sus archiconocidos diseños, que han traspasado fronteras hasta convertirse en iconos globales, hay piezas tales como: las lámpara TMM o la Cesta, ambas editadas por Santa & Cole, la silla Salvador, la mesa Altar, la lámpara Asa o los bancos urbanos como los NeoRomantico o Harpo para Urbidermis.
En el marco de esta gran exposición retrospectiva, se ha presentado el libro Miguel Milá: diseñador (pre) industrial editado por Gonzalo Milá, Claudia Oliva y La Fábrica. El libro destaca por incorporar tanto información sobre sus diseños como datos autobiográficos. Resulta un complemento a la narrativa de la exposición, ampliando su contenido: por ejemplo, con textos más desarrollados y documentación inédita.
Grandes figuras del diseño alaban su trabajo En la introducción del libro Miguel Mila: A Life in Design, editado por Apartamento, Jasper Morrison escribe un ensayo en forma de introducción llamado A homage to Cataloniadonde cuenta que ya conocía el trabajo de Miguel Milá pero que no fue hasta 2015 cuando tomó conciencia de la envergadura de su obra al visitar el espacio de Altres Coses (Other Things) de Marc Morro en Barcelona y descubrir la silla Salvador. “Milá conoce la receta de la naturalidad en los objetos desde que cogió un lápiz; el ingenio de esos detalles funcionales sólo lo consigue una mente curiosa y juguetona”. Justamente, el diseñador Marc Morro dice de Milá que tenía una serie de principios a modo de frases muy contundentes que repetía a lo largo de sus conversaciones. “Como los 10 Principios de Dieter Rams pero sin soberbia y condescendencia, más bien todo lo contrario. Y hablados, no escritos”, apunta. Una de las frases recordadas por Marc Morro es la de, ‘procura no hablar de ti mismo, muy poco de los demás y mucho de las cosas’.
Marco Sammicheli, director de diseño de la Triennale de Milán, afirma que “la historia de Milá está hecha de pequeñas conquistas, casi siempre alimentadas por la habilidad de transformar la observación de la realidad y su propia condición en una actividad, en un trabajo, en una solución”. Lo tilda de maestro absoluto del diseño español, cuya “cauta y sensata cultura de la artesanía más noble se transformó en un proyecto doméstico”. Y subraya: “a partir de la mitad del siglo pasado comenzó a moldear el diseño ibérico” en un país donde, hasta entonces, no había rastro de diseño industrial.
El tándem creativo de Miguel y Gonzalo Milá
Gonzalo Milá dice que haber crecido en un mundo diseñado por Miguel le permitió ver de cerca a alguien que vivía su oficio con pasión, tanto en casa como fuera. “De esa época, lo que más recuerdo, y lo que me inclinó a dedicarme a esta profesión fue, sin duda, el taller”. Le marcarían especialmente los momentos en que reparaban objetos o el modo en que su padre usaba y ordenaba de manera impecable las herramientas. “El cuidado de las cosas necesita tiempo y dedicación. Es un respeto hacia el objeto que se traduce después en un respeto propio y a los demás.”
Miguel no buscaba que un objeto fuese un «Ferrari» o un «Lamborghini». Su filosofía era simple y profunda: funcionalidad, comodidad y armonía (que luego llamó estética). Gonzalo señala que la relación profesional que se forjó fue constante y profunda: “empecé a trabajar en su estudio a los 18 años; luego fundé el mío, pero nuestros caminos laborales se cruzaron en varias ocasiones.” De hecho, en los últimos 10 años de su carrera, cuando Miguel ya había dejado su estudio principal, Gonzalo le estuvo apoyando activamente en diversos proyectos. “Es una relación de trabajo forjada a lo largo de muchísimos años”. La colección de mobiliario urbano Harpo y de mobiliario exterior residencial Basic, para la editora Urbidermis o el aplique Amigo para Santa & Cole, la silla Gata para Expormim, la silla Constanza para Isist atelier o la lámpara Anda de Kettal son el resultado de esa co-autoría.
En la reivindicación de la figura de Miguel Milá se incluye el valor de la coherencia, de la ética, “de colocar al ser humano en el centro del discurso de diseño, ahora más que nunca”, añade Gonzalo. Y concluye: “Hay toda una generación nueva que quizas le conoce poco y merece la pena compartir la experiencia, la mirada… darle importancia a cosas que la merecen.”
Un recorrido expositivo que explora su vida y su legado
El recorrido expositivo inicia explorando la vida de Miguel Milá, un joven con dotes para el dibujo, criado en una familia burguesa en la época de la guerra civil española y postguerra. Desde 1950, durante sus años universitarios, trabajó como interiorista con los arquitectos Alfonso Milá (hermano) y Federico Correa, una asociación que marcó el inicio de su carrera en una época de transformación en la que todo estaba por diseñar.
Miguel Milá no solo ejerce el diseño como oficio, sino que lo eleva a la categoría de profesión a través de su compromiso con el taller. Este taller es un espacio sagrado donde la artesanía y la capacidad de experimentar en el diseño convergen para dar forma a creaciones excepcionales. Milá comprende que el taller es un lugar de producción dinámico, que se adapta y evoluciona según las demandas cambiantes del entorno y el momento.
Colaboró estrechamente con pequeñas industrias y talleres semiartesanales que aún trabajaban manualmente. «Mi defensa de la artesanía y del proceso artesanal no tiene otra finalidad que la de defender el deseo que el hombre tiene de participar en los procesos de las cosas», afirmaba Miguel Milá.
Para Miguel Milá, el espacio doméstico es un lienzo donde cada detalle es cuidadosamente considerado. Su filosofía es clara: «Diseñar es ver la vida con lupa». Este enfoque meticuloso se refleja en su profunda comprensión de cómo el diseño puede influir profundamente en los estilos de vida de las personas.
Al adentrarse en el diseño del espacio urbano, Miguel Milá abraza la confortabilidad y la amabilidad como criterios para poblar el espacio público. Nuevamente, su enfoque no se limita únicamente a la estética, sino que se sumerge en la importancia de crear entornos que promuevan el bienestar y se compromete en mejorar la calidad de vida en las ciudades. Miguel redefinió los estándares que existían hasta el momento en España.
DORO es una singular tienda en Barcelona con centenares de modelos de auténticas vajillas japonesas artesanas, de cerámica Minoyaki, recién llegadas desde los talleres distribuidos por toda la región de Gifu, en el centro del país, que acaba de abrir sus puertas en la calle Caspe 61, cerca de Passeig de Sant Joan. DORO es también la nueva aventura empresarial de Fabiola Lairet, ingeniera convertida en emprendedora, sushichef y empresaria de éxito cuando fundó los conocidos restaurantes japoneses Monster Sushi y Robata (desde 2021 en manos de Umai Group).
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Lairet, gran conocedora de la cultura nipona y con una extensa red de contactos en el país asiático, ha logrado acceder a un tesoro cultural y artístico protegido tras un largo periodo de conversaciones para ganarse la confianza de los artesanos de origen. Este vínculo entre Japón y Barcelona se ha materializado en DORO, un amplio local muy bien ubicado en una zona del Eixample, más cosmopolita que nunca.
La sensibilidad creativa, experiencia y contactos internacionales de Fabiola son los que la han convertido en embajadora simbólica del gremio de artesanos nipones de Gifu y su cerámica Minoyaki (con decenas de talleres distribuidos en los pueblos de Tajimi, Toki, Mizunami y Kani), que han confiado en el criterio de Lairet para desembarcar en España con una de las colecciones más extensas de cerámica y alfarería japonesas que se conocen. Bandejas, cuencos, platos, vasos, jarras, de diferentes tamaños y calidades pero con un mismo leit motiv, hacer que la puesta en escena, destaque.“En DORO puedes comprar un bol por 14€ o invertir 100€ en una pieza especial de edición limitada firmada por el propio artesano”, explica Fabiola.
DORO se ha convertido en la tienda de cerámica japonesa artesana más grande de España y tiene capacidad de servir pedidos en todo el país. Las vajillas están concebidas para ser utilizadas de manera diaria y real, pero también tienen una gran calidad ornamental. Lairet ha realizado un trabajo de curadoría, seleccionando hasta 500 modelos diferentes de un catálago mucho más amplio, de 15000 referencias. Cualquier persona interesada en comprar en DORO accede directamente a los 500 modelos pero puede realizar una compra programada y acceder a los otros 15000 modelos, siempre bajo la asesoría de Fabiola.
Las piezas están pensadas para un abanico de clientes muy amplio. A DORO se acercan profesionales del mundo de la gastronomía, puesto que sus vajillas son versátiles y se pueden adaptar al funcionamiento de negocios de cocinas de diversos orígenes. También atiende a estilistas o interioristas que buscan piezas originales con un fin más bien decorativo, o a productores de eventos que quieren sorprender con la puesta en escena.
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El mismo mimo y consejo se da a los clientes de a pie, quienes se dejan seducir por la estética de las piezas, de la propia tienda y de la calidez del trato de Fabiola. Las puertas de DORO están abiertas a todos y en breve, su versión online también ofrecerá la posibilidad de compra.
El gran valor es el profundo conocimiento que Fabiola pone a disposición de los clientes.“Es fundamental saber orientarles, porque si conoces la cocina japonesa es mucho más fácil explicarles de qué manera usar estas vajillas con otras gastronomías, o elegir la pieza adecuada para un fin más ornamental”.
Fabiola y su vinculación con Japón
La vinculación de Fabiola Lairet con Japón se retrotrae a sus primeros años de aprendiz de sushichef, con estancias en Nishiwaki, y al camino que inició con sus grandes mentores, Andy Matsuda con quien se formó en el Sushi Skill Institute, e Hirotoshi Ogawa. Con ambos sigue en contacto.
Toda esa experiencia se materializó en 2013, cuando abrió su primer negocio: Monster Sushi, un restaurante de comida nikkei, de corte urbano y que triunfó rápidamente en Barcelona. Le seguiría después una propuesta elegante y más elevada: Robata, en la calle Enric Granados. Tras años de éxitos el negocio pasó a manos de Umai Group y ella se centró en lo que más le apasiona: asesorar y estar presente en el corazón de la cocina, formando a equipos y controlando la calidad de materias primas y platos.
Una de las máximas de Fabiola, en este y en todos sus anteriores negocios, ha sido la de respetar todos los valores esenciales del producto, deteniéndose en la máxima atención en los detalles, a la armonía (un concepto tan presente en la cultura nipona), homenajeando latradición y abriéndola al mundo con una mirada generosa y artística.
La obra es una reflexión sobre el tiempo y la memoria, construida a partir de imágenes de la vida a orillas del río Uruguay y del Delta del Paran.
La transición entre las fotografías de Pixton y las de Herrera se vuelve imperceptible. Sus imágenes en blanco y negro, intercaladas con color, recortes de diarios y textos mecanografiados, se funden con la tonalidad marrón del río, diluyendo las fronteras entre ambas épocas
Eric Pixton nació en Rosario, Santa Fe, el 28 de abril de 1905. Hombre culto y trilingüe, dominaba el español, el inglés y el guaraní con gran fluidez. Se educó en el prestigioso Belgrano Day School, lo que cimentó su amor por la literatura clásica y la historia argentina. Además de escritor, fue aviador civil, comerciante y dueño de un bar en Buenos Aires que no prosperó.
El 17 de marzo de 1933, acompañado por su amigo estadounidense James W. «Bill» Cooper, emprendió una expedición en la canoa alemana Lybo, con la que se propuso recorrer 1.200 kilómetros por el río Uruguay, bordeando las fronteras de Argentina, Uruguay y Brasil hasta llegar a Misiones y las cataratas del Iguazú. Equipados con remos, un par de velas y 150 kilos de provisiones, iniciaron un viaje sin asistencia mecánica, enfrentando tormentas, arenas movedizas, serpientes venenosas y otros peligros naturales y humanos. Con
espíritu aventurero, desafiaron la inmensidad del río con un método de navegación primitivo, similar al de los pueblos indígenas de la región.
Tres años después, en 1936, Pixton plasmó su travesía en el libro De Buenos Aires a Misiones en canoa, publicado por la editorial argentina Peuser. A pesar del valor testimonial y narrativo de la obra, con el tiempo cayó en el olvido.
Casi un siglo más tarde, el fotógrafo Mariano Herrera (Buenos Aires, 1970) siguió la ruta de Pixton y la convirtió en el eje de su proyecto La sombra de un río. Más que una recreación de la expedición, su obra es una reflexión sobre el tiempo y la memoria, construida a partir de imágenes de la vida a orillas del río Uruguay y del Delta del Paraná. Viejos recuerdos de la aventura original se entrelazan con retratos actuales de los habitantes de la ribera, generando una fusión entre pasado y presente, entre realidad y ficción.
El libro de Herrera captura el desgaste del tiempo en los documentos, manuscritos y fotografías de Pixton, pero también en las casas decadentes, las fábricas en ruinas y los rostros curtidos de los lugareños. Sus imágenes en blanco y negro, intercaladas con color, recortes de diarios y textos mecanografiados, se funden con la tonalidad marrón del río, diluyendo las fronteras entre ambas épocas. La transición entre las fotografías de Pixton y las de Herrera se vuelve imperceptible, como si el agua arrastrara la memoria de ambos.
El río, eterno testigo del paso del tiempo, es el verdadero protagonista de ambas narrativas. Su corriente moldea cuerpos y paisajes, mientras que su sedimento cubre recuerdos y los hace parte de su historia. Así, La sombra de un río no solo evoca la travesía de Pixton, sino que también invita a una meditación sobre la fugacidad de la memoria y la imposibilidad de aferrarse al pasado. Como en el viaje de Pixton, el final del camino se convierte en un nuevo comienzo, donde la literatura y la fotografía se entrelazan en un relato que trasciende el tiempo.
Mariano Herrera nació en Buenos Aires y desde 1997 reside en Barcelona. Su labor fotográfica no distingue la fotografía comercial de la personal, ambos campos son abordados de la misma manera: la estética como motor y herra- mienta principal de comunicación visual. Su trabajo comercial –publicitario o editorial- ocupa la mayor parte de su ar- chivo y sus imágenes entonan la infatigable búsqueda de la franqueza a través de su óptica. Su especialidad reside en capturar instantáneas de gente y la relación de ésta con su entorno, y su gran reto es mantener ese tono en diversos y paralelos mundos como la publicidad, el reportaje, el retrato. Su especialidad es la «gente común». Aquellas personas que circunstancialmente ejercen de modelos o actores, o básicamente de sí mismos. Casi todos sus encargos comerciales rondan en torno a lo “real” como bandera de lo autentico. Su trabajo se ha publicado en numerosos medios de todo el mundo entre los que destacan la revista británica Monocle, New York Times, El Pais Semanal, Editorial Planeta, Kinfolk, Port, Rolling Stone o Esquire. Algunos de sus clientes son: Banc Sabadell, San Miguel, Codorniu, BBVA, Banco Santander, Estrella
Damm, ICUB, o Generalitat de Catalunya. Ha realizado varias campañas de la mayoría de los partidos políticos españoles y también ha producido varios libros gastronómicos sobre los cocineros Max y Stefano Colombo del restaurante Xemei, o Bittor Argenzoniz y su asador Etxebarri entre otros.
En septiembre de 2024 publicó su primer libro personal: La sombra de un río. Editado por Kominek Books, contiene 96 páginas y un formato de 24 x 30 cms.
